Kurven din er tom
Det vil alltid være mye debatt om den beste epoken for kino. For mine to øre vil jeg med stor selvtillit si at den beste perioden i kinohistorien var 70-tallet.
Det var absolutt en overgang i løpet av dette tiåret som så kino fra slutten av 60-tallet fortsette, til fødselen av storfilmen slik vi kjenner den i dag.
Vi kunne nesten dele 70-tallet inn i to kategorier, selv om jeg også vil nevne underkategorier som Blaxploitation-perioden. På den ene siden begynte regissører å bevege seg så langt bort som mulig fra den tradisjonelle Hollywood-produksjonskoden.
Finn de beste pin-ups fra 50- og 60-tallet !
Grenser ble flyttet og optimisme ble erstattet av dypt pessimistisk arbeid. Ikke alt hadde en lykkelig slutt. Ting ble mørkere, noe som gjenspeiler en vanskelig periode i sosialhistorien, da vi flyttet fra borgerrettighetstiden til Nixon, Vietnam og økonomisk kamp over hele Vesten. Til syvende og sist ville ting bevege seg fra spenninger i Fjernøsten til spenninger med Russland.
Den siste verdenskrigen var fortsatt relativt nylig, og de voldelige konfliktene på slutten av 1960-tallet og følelsen av uro som fulgte med disse konfliktene gjorde denne perioden til en bekymringsfull og urovekkende tid i sosialhistorien. Som med alle ting, gjenspeiles dette i kino.
Dette kan noen ganger fungere på flere måter. Det er enten en helling mot sosialt reflektert kino eller mer mot eskapistisk kino og mot slutten av 70-tallet så vi overgangen fra førstnevnte til sistnevnte.
På begynnelsen av 1970-tallet tilbød disse modigere filmene og en ny bølge av friske og oppkvikkende regissører, som Francis Ford Coppola og Martin Scorsese for eksempel, et ofte strengt, men elegant utvalg av filmer.
På samme måte ville en gruppe eksepsjonelt lovende skuespillere (og skuespillerinner) som Robert De Niro, Al Pacino, Dustin Hoffman, Jack Nicholson, Meryl Streep og Harvey Keitel begynne å gå foran med å erstatte Hollywoods mer gyldne stjerner. Cary Grant- formen etc. De ville fortsette å smi en vei som en som Marlon Brando hadde begynt å grave.
Den metodiske tilnærmingen vil bli mye mer vanlig i denne epoken og vil fast etablere en dristig og dristig tilnærming for fremtidige spillere å ta i bruk. På samme måte, i komedie, ble de fysiske krumspringene til Jerry Lewis erstattet av nevrotiske funderinger fra regissører som Woody Allen og Albert Brooks . Det vi i nyere tid kjenner som mumblecore, trekker sterkt på verkene til Allen etc.
Uten å gå for mye i detalj om hvordan disse filmene fungerte, fordi hver film jeg kunne nevne er verdt en teoretiseringsbok i seg selv, sier det seg selv at mengden klassisk kino som kom ut av dette tiåret er svimlende.
Ja, det ville vært altfor lett å bare sette fingeren på to gudfedre og kalle dem kinoens høydepunkt. De er utvilsomt mesterverk. Vi vet hvorfor. Så jeg vil unngå dem. Deres rykte går foran dem.
For å holde meg til Coppola, skal jeg snakke litt om et klassisk eksempel på en film som perfekt legemliggjør 70-tallets tilnærming til kino. Den var betimelig, tankevekkende og mørk. Det var også et eksempel på en av de mest dessverre plasserte filmene på en regissørs CV i historien.
Denne filmen kunne ikke vært dårligere plassert enn den var, siden selve plasseringen så filmen sugd inn i et svart hull. Det ble totalt overskygget av det som gikk forut og fulgte det.
Dette er The Conversation, den minimalistiske, enkle, nedstrippede filmen som var klemt mellom Coppolas to første grandiose filmer, The Godfather. I seg selv er The Conversation en strålende film. Det er et mesterverk. Engasjerende, intelligent, eksepsjonelt skrevet og på en merkelig måte virker det som en ettertanke. Det virker som hun fyller tiden.
Det fyller et gap mellom gangster-eposene. Fra alle dyre og forseggjorte kulisser, fra iscenesettelsen og redigeringen av The Godfather, til den vakre enkle innrammingen og stillheten til The Conversation.
Denne filmen fortjener å være på topp 100. Ok, den har kanskje ikke det ikoniske designet til Coppolas eksepsjonelle gangsterduo (vi vil ikke nevne den tredje delen), men Gene Hackman gir en av sine mest introspektive og effektive forestillinger, i en film med utsøkt lyddesign og en spennende skildring av et nervøst sammenbrudd på grunn av paranoia.
Jeg kan ikke understreke nok for de som gikk glipp av det, men du må definitivt se The Conversation.
Coppola ville avslutte tiåret med et viltvoksende krigsepos som stilistisk sett er antitesen til den enkle tilnærmingen han brukte i den nevnte Hackman
Apocalypse Now var en kronglete prøvelse å gjøre. Det kostet nesten Martin Sheen livet. Coppola tok en perfeksjonistisk tilnærming til dette. Hvert bilde av hver scene er kunst. Det er en forbløffende film med slående bilder som spiller vakkert sammen med den dystre gruen til det den faktisk skildrer.
Alt fra de enorme, visuelt blendende settene til intimiteten til Marlon Brandos skumle, men intenst oppslukende forestilling er et genredefinerende verk.
Hvis det er én ting som perfekt legemliggjør standarden fra 70-tallet sammenlignet med resten, så er det Coppolas CV. Han gjorde flott arbeid gjennom 80-tallet (jeg elsker Rumble Fish), men ingenting som Corleone-sagaen, hans episke Nam eller til og med The Conversation.
Scorsese tok fatt på Mean Streets, en rå og stilig gangsterfilm som viste en mye mindre romantisert og moderne (den gang) skildring av de...vel...meine gatene.
1970-tallet var en periode med rå og eksperimentell Scorsese. Det store øyeblikket kom, og til en viss grad den nervøse, kreative livskraften han hadde nådd toppen på slutten av tiåret med Raging Bull.
På begynnelsen av 80-tallet hadde han perfeksjonert håndverket sitt, og om ti år skulle han regissere et mesterverk i Goodfellas . En av hans mest stilige og introspektive filmer er imidlertid Taxi Driver .
Han er en regissør på fremmarsj, full av nye ideer, vågal og instinkt. De Niro var fascinerende. Nesten 90 % av det som gjør prestasjonen hans så fengende, er internt. Travis Bickle trekker publikum inn og krever vår oppmerksomhet og tolkning.
Filmen er ulik noe Scorsese har gjort siden. Til syvende og sist var det også betimelig. Det var en atypisk film fra 1970-tallet og de romantiske skildringene av New York har stort sett forsvunnet, erstattet av filmer som Taxi Driver. Se også LA, Chicago og San Francisco. Filmskaperne viste nå hva som skjedde bak kulissene.
Selv i en periodefilm var alt veldig moderne. Chinatown, for eksempel, spilte som et gammelt svart tannkjøtttre, men alt ved det dryppet (glimrende) i 1970-tallets pessimisme.
Denne epoken handlet ikke bare om bluss og stort hår, langt ifra, og absolutt ikke filmisk. Jack Nicholson etablerte seg godt i den nye bølgen, mens Roman Polanski som regissør begynte å gjøre seg bemerket utenfor Europa (og før han gjorde seg bemerket for noe i det hele tatt faktisk mindre velsmakende).
Filmen, som er et så godt eksempel på et (Robert Towne) manus som du kan se, er unektelig uhyggelig og viker ikke unna noe den skildrer, enten det er bedriftskorrupsjon eller politi eller incestuøs voldtekt.
Mens de udødelige siste ordene, " It's Chinatown ," ytres etter en av kinoens mørkeste og mest rørende avslutninger, blir seeren brutt, men grepet, den fengslende og lidenskapelige seertilstanden, slippes. Chinatown, som mye kino på den tiden, blir med deg.
Du kan se en hel rekke vanskelige, mørke og kraftige filmer fra tiden, fra stort budsjett til lavbudsjett. The French Connection, Marathon Man , de praktfulle rå og viscerale Badlands.
På samme måte, når du ser en film som All The Presidents Men , viser det at filmskaperne ikke er redde for den umiddelbare historien. De taklet her og nå, og lot ikke sårene gro først.
Så det er en gruppe stigende stjerner og regissører som er banebrytende for nye og forfriskende stiler. Men i mellomtiden jobbet etablerte stjerner og regissører fortsatt.
Brando , som omskrev spillereglene på 1950-tallet, produserte fortsatt ikoniske show for Coppola. Sidney Lumet , en regissør som inspirerte mange nye regissører på 70-tallet (inkludert FFC og Scorsese), produserte fortsatt noen av sine beste verk, som Dog Day Afternoon og Serpico (som ikke gjorde bølger i deres representasjoner av sosial uro og institusjonell korrupsjon).
Denne epoken var også en nøkkelperiode for utnyttelseskino. Regissører som Michael Winner (Death Wish) og Abel Ferrara entrer arenaen. Kinoen deres var slurvete, litt trashy, men merkelig innsiktsfull.
Blant avfallet til Death Wish er noen talende sosiale kommentarer. Den snakker ikke bare om bysettingen til American City, men også det vestlige samfunnet som helhet på den tiden. Dette er en film som like gjerne kunne filmet og satt i London.
Faktisk, hvis du ser på den mørke og grublende verdenen til Get Carter (Mike Hodges), så ut til at britene absolutt ønsket å gå bort fra romantiserte skildringer av bylivet. Hvis figurer som Coppola rev tradisjonalismen i stykker, som stive skyteformer, trepunktsbelysning osv. De presset også, uten grunn, grensene for evalueringskommisjonen.
Det var en tid da pornografiske filmer var veldig vanlig. Hollywoods produksjonskode sto i flammer. Alle presset på nivåene av smak og anstendighet og prøvde lykken. Deep Throat, Debbie Does Dallas og andre.
Samtidig så vi en sterk svart bevegelse med fremveksten av Blaxploitation kino . Plutselig dukket det opp en befolkning som ikke hadde vært vurdert før.
Selvsagt bidro borgerrettighetsbevegelsen til dette. Det var ikke bare det atypiske standardpublikummet (ofte ansett av Hollywood for å være hvite menn, og på det meste hvite kvinner) som krevde en mer realistisk og råere kino, det var også et minoritetspublikum som krevde noe for seg selv.
Mens Pacino og De Niro etc. gjorde sitt (med sine egne distinkte italienske/amerikanske identiteter), så vi stjerner som Richard Roundtree , Fred Williamson , Pam Grier og Jim Killy spille hovedrollen i en samling hippe, kule, holdnings-injiserte utnyttelsesfilmer.
Enten det var Shaft , Coffy eller Foxy Brown , disse filmene var ikke helt realistiske. De var i utgangspunktet tegneseriefilmer med en sitronaktig trashy vri.
På noen måter var disse filmene en måte å omgå tradisjon og til og med Hollywood New Wave (som ofte hadde begynt å inneholde svarte karakterer som en del av kriminelle gjenger, etc.)
Alt dette viser er hvor fantastisk eklektisk amerikansk og britisk kino var. Samtidig var det mye eksperimentell kino.
Folk beveget seg bort fra studiosystemer. Et kollektiv av filmskolekandidater laget sine egne lavbudsjettfilmer og fant springbrett for større verk (Scorsese, Ferrara, FFC, etc.).
Folk som Terrence Malick eller John Cassavetes var veldig uvanlige i sin stilistiske tilnærming og måten de fortalte historier på. Spesielt Cassavetes hadde en veldig rå stil, men det var en observant sannhet i alt han gjorde.
Interessant kino var ikke bare begrenset til Vesten, selvfølgelig. Men til en viss grad er det rett og slett å ta igjen det østlige kinoen og Europa allerede har gjort.
I mellomtiden, til tross for spenninger, begynte østeuropeisk kino å tiltrekke seg oppmerksomhet i USA. Faktisk blir en tilskuers verdsettelse av verdens kino stadig mer oppfattende og åpen for bredere påvirkninger.
Andrei Tarkovsky slo vakkert sammen kunsten og estetikken til fotografiet med det bevegelige bildet. Han banet vei for en gruppe russiske og østeuropeiske regissører. Fransk kino hadde allerede overtatt en stor del av konsernet; Amerikansk kino var nå, på slutten av 1950-tallet, langt ut på 1960-tallet, mens eksperimentelle som Godard fortsatte å jobbe solid.
Som jeg sa, jeg kunne vie hele artikler til hver person som nevnes, men jeg er ikke sikker på at internett har lagringskapasitet for mine rablinger. De nevnte Polanksi og Milos Forman ville også ta spranget fra sine respektive land til Hollywood-berømmelse.
Skrekkfilmer revolusjonerte stilen deres. De tar opp frøene sydd av karakterer som Hitchcock eller Michael Powell (Peeping Tom). Stilistiske tilnærminger presses og grenser presses når det gjelder videoovervåking, farger og redigering.
Til slutt blir ting stadig mørkere (satanisk), skremmende eller blodig. Vi hadde The Exorcist, Rosemary's Baby, The Omen og deretter Giallo-filmene som kom til oss fra Italia . Dario Argento , med elektriserende skrekkfilmer som Deep Red og Suspiria , en bevegelse av kreative, grensesprengende regissører uten sperringer.
På slutten av 70-tallet John Carpenter og omskrev reglene for slasheren, noe som førte til en rekke imitasjoner og franchiser gjennom 80-tallet.
Som jeg nevnte før, ble ting gradvis klarere mot slutten av tiåret, ettersom publikum nå trengte litt eskapisme. Plutselig så vi håp og godhet.
Litt fantasi her og der. Fra Dirty Harry , Deliverance og Don't Look Now , til filmer som Rocky, Close Encounters of the Third Kind , Grease og, selvfølgelig, Star Wars . I dag søker filmskapere i økende grad å hente ut kassainntekter i stedet for å utfordre publikums intellektuelle eller sosiale samvittighet.
Det var fortsatt en blanding på 80-tallet, men landskapet var definitivt i ferd med å endre seg mot fantasi. Enten det er outsiderhistorier eller romeventyr. Realiteten i post-Nixon-Nam-tiden ble vanskelig å assimilere. Folk ville se virkeligheten, men de levde den også. De trengte noe annet.
I en som Rocky Balboa for eksempel, viste det et visst håp. At selv i disse skitne gatene for menigmann var det en sjanse for noe større.
båndbredden flimrende myten med mye mer, skal jeg spørre deg både hva favorittfilmene dine fra 70-tallet er, og om det faktisk finnes en bedre æra for kino?
Bare google en liste over filmer fra 70-tallet for å se hva den enestående (verdensomspennende) produksjonen av dette tiåret var. Jeg tror ikke vi kan toppe henne.
Du kan også finne våre topp 100 beste filmer tatt i New York fra alle perioder!
Kommentarer godkjennes før publisering.
